Fotos...

Angus Young

Angus McKinnon Young (nacido el 31 de marzo de 1955 en Glasgow, Escocia) es un guitarrista de música rock que es miembro y fundador de la banda australiana AC/DC desde la formación del grupo en 1973.

Era el hermano menor de una familia humilde que emigró a Australia cuando Angus tenía 2 años, afincándose en Sydney. Heredó su primera guitarra de su hermano mayor cuando tenía 9 años, y a la edad de 15 dejó el instituto para empezar a trabajar y así poder comprar una guitarra mejor. Empezó a tocar en diversas bandas de rock de Sydney, y en 1973 fundó junto con su hermano Malcolm la banda AC/DC. Siempre fue un gran fan de Chuck Berry, de quien copió el "andar de pato". Su uniforme de escolar acabaría convirtiéndose en todo un símbolo para la banda.

También se cuenta que la idea de utilizar un uniforme escolar fue de su hermana. Cuando era muy jovencito, Angus no tenía tiempo para quitarse su uniforme escolar después de salir del colegio. Su hermana le sugirió que utilizará su uniforme en el escenario, aunque también otras veces ya había salido disfrazado en conciertos, de cosas tan dispares como de gorila.

Angus Young siempre ha utilizado una guitarra Gibson SG. A lo largo de su trayectoria dentro de AC/DC ha utilizado los modelos Standard, Special, '61 Reissue y Custom SG. Para la grabación del álbum 'Ballbreaker' utilizó una Gibson Les Paul/SG.

Bon Scott

Ronald Belford Scott nació en la localidad de Kirriemuir, en Escocia, el 9 de julio de 1946, y su familia, igual que la de los Young, también emigró a Australia. En 1952 llegó a Melbourne. Le llamaban Bonnie, pero el, a los 16 años se acortó el apodo para dejarlo en Bon, porque pensó que Bonnie era un poco "marica". De pequeño, desde los 7 años ya le daba al piano o al acordeón, pero fue en 1956, cuando se mudó a Fremantle, cerca de Perth, cuando se incorporó a la banda escocesa donde estaba su padre a tocar la gaita y el tambor. De ahí a tocar la batería en su cuarto hubo un paso. Os podéis imaginar que no le interesó mucho la escuela, dónde sólo destacó en la asignatura de música (fue Campeón de Tambor Sub-17 de la banda de gaitas de Perth).

Dejó el colegio a los 16 años y trabajó un tiempo de cartero, aunque su pasión por el rock and roll, las tías y el alcohol le apartó pronto del "buen camino", e incluso el ejército le declaró socialmente inadaptado. Estaba claro que sólo podía estar en una banda de rock. Entre 1965 y mediados de 1966 Bon fue batería y cantante en los Spektors, un grupo que hacía versiones de canciones conocidas como "Yesterday". Pero poco tiempo después, a mediados de 1966 Bon se pasó con su amigo Vince Lovegrove a los Valentines, grupo en el que los dos eran los cantantes.

El grupo tuvo cierto éxito en Australia, y firmó con una compañía de discos que le facilitó grabar algunos singles. Incluso grabaron dos canciones del famoso grupo australiano Easybeats, ya sabéis, el de George Young y Harry Vanda, hermano y productores clásicos de los Young. Bon permaneció en el grupo hasta julio de 1970. Antes de esa fecha fueron la primera banda arrestada por posesión de drogas. Además admitieron tomas sustancias prohibidas, por lo que se cargaron su imagen de "niños buenos" (se tapaban los tatuajes con polvos de talco). Tiempo después Bon admitió que la idea del grupo le parecía una chorrada, aunque seguro le sirvió para mejorar en su faceta de cantante y correrse algunas juergas. Porque como se ha dicho, no eran tan "niños buenos" como parecía.

Nuestro protagonista, en plena moda hippy se largó a Sydney para entrar en el grupo Fraternity, en el que permaneció desde julio de 1970 hasta agosto de 1973. Era un grupo de blues-rock con reminiscencias de jazz, en la que Bon fue cantante e incluso tocó la flauta y la armónica (ya te digo, moda hippy). Firmaron un contrato con RCA y grabaron dos discos, lo que le permitió hacer una gira por Reino Unido y Alemania. Allí telonearon dos noches a una banda de Newcastle llamada Geordie en la que cantaba un tipo llamado Brian Johnson. ¿El destino quizá?. Desde entonces uno de los cantantes favoritos de Bon, aparte de Steve Winwood fue Jonna.

Por cierto que fue en 1972 cuando Bon se casó con Irene Thornton, de la que se separó en 1974 y se divorció en 1978. A ella le dedicó la canción She´s Got Balls. Después de estar en Europa, Bon tuvo un accidente de moto que le tuvo tres días en coma y varios meses en el hospital, por lo que fue sustituido en Fraternity. Después del accidente las pasó un poco canutas, haciendo trabajillos y chapuzas en los astilleros de Adelaida, aunque tuvo tiempo de grabar un par de canciones con un grupo llamado Mount Lofty Rangers, en el que estaba su amigo de siempre Vince Lovegrove. Esas dos canciones, grabadas en julio de 1974, no se publicaron en su día, y hemos tenido que esperar a la década de los noventa para disfrutarlas.

A partir de aquí, la historia es más conocida. Algunos dicen que Vince Lovegrove, que en aquella época también era manager y cosas por el estilo, presentó a Bon al grupo, ya que conocía a George Young y Harry Vanda de la época de los Valentines. Pero la historia más conocida es la siguiente: Bon necesitaba un trabajo y encontró un grupo que necesitaba un conductor para la camioneta. Sobre esto Angus dijo más tarde "como conductor era una mierda, un peligro público. El primer día, cuando íbamos a toda pastilla por la carretera nos dice: -acabo de salir del hospital, después de mi último accidente de moto-... Era terrorífico". Pues bien, Bon tardó poco en hacerse con la batería, y poco después, ya que Malcolm y Angus estaban deseando sustituir al primer cantante, Dave Evans, se hizo con el puesto. Angus habló sobre único ensayo que tuvieron antes de su primera actuación: "El único ensayo que tuvimos consistió en sentarnos una hora antes del concierto y sacar todo el rock´n´roll que conocíamos. Al llegar, Bon se tomó dos botellas de Bourbon con marihuana, coca, speed y dijo -¡Bien, estoy listo!-. Y lo estaba. Estaba en plena forma. Hubo una transformación inmediata y se puso a correr con las bragas de su mujer puestas y gritando al público. Fue un momento mágico. ¡Decía que eso le hacía sentirse joven otra vez!". A partir de ese momento, la leyenda...

recuerdos de Bon Scott (1946-1980)

A principios de 1980 a AC/DC le iba de puta madre. Acababan de terminar la gira de Highway To Hell, ampliando las fechas por la demanda de la gente, y es que el disco les había encumbrado. Estaban en un momento inmejorable, y Bon ya estaba escribiendo letras para el nuevo disco. Por aquel entonces se encontraba en Londres, de descanso, y pocos días antes había celebrado la boda de Angus con su novia Ellen. La tarde del martes 19 de febrero Bon estuvo en el Music Machine de Camden (ahora se llama Camden Palace), porque había quedado allí con Pete Way y Phil Mog de UFO, aunque estos no recuerdan haber estado con él aquella tarde. El caso es que Bon salió borracho a las tres y media de la madrugada del garito con un amigo, Alisdair Kinnear, que lo quiso llevar a su piso en Victoria, pero un vez allí el tal Alisdair no lo pudo mover del coche, por lo que lo llevó a su casa en Overhill Road en Dulwich, en Londres. Una vez allí tampoco pudo despertar a Bon, por lo que le trajo una manta y lo dejó durmiendo en el coche. Pues el "amigo" durmió al menos quince horas y al despertarse se acordó de Bon. Ya era miércoles por la noche, y al salir afuera lo encontró todavía inconsciente en el coche, por lo que lo llevó al College Hospital. Allí los médicos declararon que Bon llegó cadáver. Se había quedado dormido en una posición incómoda , con el cuello torcido, y en algún momento de la noche vomitó y se ahogó. Como dijo su amigo Pete Way: "¡Vaya manera capulla de irse!".

El caso es que hay algunas circunstancias que no está muy claras, como el papel del tal Alisdair Kinnear, pero en ese tema nunca se ha sabido más. Minutos después llamaron a Angus y Malcolm, y éstos llamaron a los padres de Bon a Australia, a donde volvieron para asistir al funeral. Os podéis imaginar el día siguiente: los periódicos, sobre todo los sensacionalistas, acudían al tópico sobre "Estrella de rock muere después de una borrachera". Pero muchos, sobre todo la prensa musical, le dedicó los elogios y las páginas que se merecía. Todos sabemos que Bon bebía mucho, y eso lo han reconocido Angus y Malcolm, pero tanto como otro cualquiera; no faltó en su trabajo y no ha sido el típico cantante que no ha podido actuar "por encontrarse mal", y dudo que se haya perdido algún concierto por haber estado de juerga. Por eso creo que en su muerte tuvieron mucho que ver algún tipo de droga y el Kinnear ese, que mira que hay que ser jilipollas para dejarlo tumbado de aquella manera en el coche sabiendo lo borracho (o lo colocado) que estaba.

El mazazo para la banda nos lo podemos imaginar, y Angus y Malcolm pensaron en acabar con el grupo, pero eso hubiera sido una putada (sobre todo para nosotros), por lo que decidieron seguir adelante para encontrar un nuevo cantante y grabar un nuevo disco. Back In Black (regreso de negro o algo así) es el mejor homenaje para Bon Scott que le pudo hacer el grupo. Y es que no creo que haya muchos músicos a los que hayan podido ofrecer como homenaje un disco de rock que es una obra maestra.

Con el paso del tiempo se recuperan algunos recuerdos del cantante, incluso en museos. Pero lo primero es la tumba del cantante, en el Fremantle Cemetery de Perth, en Australia. Siempre visitado por los fans, y siempre con flores (o con una cerveza). Si algún día viajo a Australia, fijo que me paso por allí. También hay que destacar el museo de Kirriemuir, en Escocia, localidad donde nació Bon. Allí lo tiene como una de las personas más destacadas que han nacido en ese pueblo. Muestran fotografías del colegio y otras que mandó su madre desde Australia. Lo que no sé es si la exposición es permanente o sólo temporal. La dirección es: Kirriemuir - Gateway to the Glens Museum, The Town House,32 High Street, Kirriemuir, DD8 4BB, Scotland, UK. Otro museo en el que podemos encontrar un recuerdo de Bon es el Performing Arts Museum de Australia. Allí se encuentra una chupa de cuero cedida por los padres de Bon. Aunque todos sabemos que el mejor recuerdo son los discos, las canciones, su actitud y su personalidad. Como se dice en el Bonfire: RIDE ON, BON.

Brian Johnson

Brian Johnson (Jonna) nació en Dunston, Inglaterra, el 5 de octubre de 1947. Reemplazó a Bon Scott en abril de 1980, y desde entonces se encarga de las letras con los Young. Fue el cantante de Geordie, un grupo de Newcastle que tuvo algún éxito. Dejó la música, aunque poco tiempo antes de entrar en AC/DC volvió a intentarlo solo y nuevamente con Geordie. El grupo, después de la muerte de Bon, y después de decidir seguir adelante, probó a muchos. La historia (o la leyenda), dice que un fan envió una cinta de Brian al grupo recordándoles que Jonna era uno de los cantantes favoritos de Bon. Y es que éste giró con una de sus anteriores bandas por Reino Unido teloneando a Geordie, el grupo de Brian.

Malcom Young

Malcolm Mitchell Young (6 de enero de 1953, Glasgow, Escocia - ) es miembro fundador y el guitarrista rítmico de la banda de rock duro AC/DC.

Malcolm ha escrito la mayoría de las canciones de AC/DC en colaboración con Angus y los vocalistas Bon Scott y Brian Johnson.

Está influenciado por el rock and roll de los años 50 y el blues. Malcolm Young tocó una guitarra por primera vez cuando estaba en el colegio. Se pasó rápidamente de la guitarra acústica a la eléctrica, y aprendió trucos de su hermano mayor, George Young cuando volvía de los tours con los Easybeats. Malcolm dejo el colegio en cuando encontró un empleo. Trabajó como ingeniero. Malcolm y Angus Young fundaron en 1973. Malcolm tenía 20 años y Angus 18.

Malcolm toca una guitarra Gretsch Jet Firebird. Su Gretsch originalmente era roja.

Cliff Williams

Clifford Williams nació el 14 de diciembre de 1949 en Romford, Inglaterra. Fue elegido en una audición en 1977 para sustituir al anterior bajista Mark Evans. Se ha convertido en el miembro del grupo, aparte de los Young, que lleva más tiempo en AC/DC. Aunque pueda parecer que es el músico que menos destaca en el grupo, en los conciertos demuestra que es una base inmejorable, junto con la batería, para canciones como "Let There Be Rock". El bajista ideal para AC/DC

Phill Rudd

Phillip Hugh Norman Witschke (Phil Rudd) nació el 19 de mayo de 1954 en Melbourne (Australia).

Antes de tocar la batería en AC/DC, tocó en una banda llamada The Coloured Balls.

Se unió a AC/DC en 1975. Dejó la banda en 1983, al finalizar las sesiones de grabación del álbum 'Flick Of The Switch', por una disputa con Malcolm. Phil se retiró a Nueva Zelanda, donde regentó un negocio de helicópteros.

En 1991, Phil asistió a un concierto que AC/DC estaba realizando en Nueva Zelanda. Al finalizar el concierto realizó una visita a la banda en los camerinos. No se habían visto en 8 años y medio. Phil regresó a la banda para la producción del disco 'Ballbreaker' en 1994.

Durante su ausencia el puesto de batería fue ocupado por Simon Wright y Chris Slade.

FUENTE: 

 http://www.acdcrock.com.ar

Hard Rock 2.

Hard-rock (rock pesado) 1969-73

El hard-rock señaló, en muchas formas, el fin de los creativos 1960s. Dentro y alrededor de las ciudades de la contracultura, hard-rock se convirtió en una forma de afirmar una instancia militante menos "confrontacional". Musicalmente, el hard-rock era el punto final de una evolución del blues se había visto a los músicos blancos de clase media reinventar la música de los músicos negros esclavizados como un entretenimiento para la juventud occidental. El hard- rock seguía basado en el blues, como el rock'n'roll lo había sido, pero un tipo de música más rápida, más ruidosa y más fuerte, que enterraba el sufrimiento de la gente negra bajo miles de decibeles.

Se pueden encontrar los pródromos del hard-rock en bandas tales como Cream (Inglaterra), Blue Cheer (California) y Guess Who (Canada), que ya habían enfatizado la amplificación y centraban la canción alrededor del riff de guitarra. Y ellos eran ciertamente una influencia mayor para las bandas británicas que "inventaron" el hard-rock.

Cream.

Cream-nsu 1967.

Blue Cher.

Blue Cheer - Just A Little Bit.

 The Guess Who.

The guess who no time #12.

Sin embargo, Led Zeppelin (2), formado por el ex guitarrista de los Yardbirds Jimmy Page y el protegido de Alexis Korner, Robert Plant, fueron, antes que nada, hijos del blues. Sin embargo, las sesiones de Led Zeppelin I (1969) introducían un acercamiento histérico la música negra que aún los negros no había soñado(culminando en la cima epiléptica de Communication Breakdown). El sonido de Led Zeppelin en una extensión del blues eléctrico que se basaba en tres factores: un ritmo más rápido, casi frenético; un aullido fuerte y abrasador que casi parodiaba a los "gritones" negros y que tenía sobretonos psicóticos; y una guitarra poderosa tocando con gran imaginación con sobretonos místicos. El melodrama de canciones tales como Whole Lotta Love (1969) era roto continuamente por los riffs de la guitarra y vocales delirantes. Cream había tocado blues-rock como música cerebral: Led Zeppelin tocaba el blues-rock como música corporal. Desde Immigrant Song (1970) a In The Evening (1979), Led Zeppelin fueron principalmente una idea del rock'n'roll para una nueva clase de audiencia. Los elementos secundarios que se habían escapado en los primeros álbumes emergieron vigorosamente en Led Zeppelin IV (1971): When The Levee Breaks fue su canción más original (casi psicodélica) inspirada por la tradición folk, y Stairway To Heaven fue la combinación de su alter ego "suave" y espiritual.

Led Zeppelin se convirtió en el caso estudio de como un producto encuentro mercado sin la necesidad del mercadeo. La generación hippy había creado una demanda para la radio de forma libre (opuesta a la radio orientada hacia los éxitos) y por conciertos de estadios. Su música era completamente diferente de la música que esos radios y esos estadios habían estado tocando, pero se convirtieron en la música perfecta para maximizar el beneficio comercial de la radió libre y los conciertos de estadio.

El éxito de Led Zeppelin tuvo un impacto poderoso en la industria disquera: definió el álbum de larga duración como el medio del rock. Led Zeppelin nunca tuvo un "éxito" mayor en las listas, pero gobernaba las ondas de radio y los estadios. La industria disquera siguió la pista y empezó a promocionar álbumes más que canciones.

Led Zeppelin.

Led Zeppelin - When the Levee Breaks.

Fuente: http://scaruffi.com/history/eindex.html

Del blues al hard-rock

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En Gran Bretaña, la forma "no política" del hard-rock generó la misma clase de reacción histérica que el Mersey-beat y el rock progresivo habían generado: docenas de bandas adoptaron el nuevo estilo con pocas o ninguna variación entre una y otra. Entre las menos predecibles estaban: Free, con el vocalista Paul Rodgers, y notable por el blues-rock visceral de All Right Now (1970) y Fire And Water (1970); Status Quo, cuya experiencia era en la psicodelia y el rock progresivo; Thin Lizzy, otra alineación de guitarra doble a` la Wishbone Ash; UFO, quienes fueron pioneros en el pop-metal, Uriah Heep, proveedores de atmósferas góticas y medievales; Slade, quienes unieron una imagen de holligans de la clase trabajadora con himnos pegajosos tales como Cum On Feel The Noise (1973).

Una versión pop y glam del hard-rock fue preparada por los escritores Nicky Chinn y Mike Chapman y por el productor Mickie Most, primero para Sweet, para quien escribieron Blockbuster (1972) y Ballroom Blitz (1973), y después con el grupo de Detroit Suzi Quatro, quienes lanzaron Can The Can (1973) y Devil Gate Drive (1974).

Las mejores dos bandas nacieron de las semillas de los Small Faces: Humble Pie, con Peter Frampton, y Faces (1), con el vocalista Rod Stewart y el guitarrista Ron Wood (ambos veteranos del Jeff Beck Group), cuyo A Nod Is As Good As A Wink To A Blind Horse (1971) permanece como uno de los ejemplos más vivos del soul-rock blanco.

Deep Purple (1), quienes empezaron como imitadores tardíos del rock progresivo y rock neoclásico, cuyo mejor ejemplo es Concerto for Group and Orchestra (1970) y el melodrama psicológico Child In Time (1970), se unió a las filas del hard-rock con los ataques de boogie supersónico de Machine Head (1972). A pesar de (o precisamente debido a) la técnica de guitarra altamente simplificada de Ritchie Blackmore, los excesos orgánicos de sus ejecuciones extensas se convirtieron en estereotipos del hard-rock.

Deep Purple.

Deep Purple - Smoke On The Water (Live, 1973).

Black Sabbath (2), una banda altamente influyente, más adelante deterioró el grado de habilidades requeridas para tocar el hard-rock, pero sus riffs distorsionados y florecientes, sus monstruosos grooves, sus ritmos marciales, su canto monótono y sus temas de horror, evocaban la visión de un universo futurista medieval, y pusieron los cimientos para el black metal y el doom-metal. Las proezas melódicas e instrumentales eran componentes despreciables de sus trabajos más típicos, Paranoid (1971) y Master Of Reality (1971). Ellos no fueron los inventores de la música gótica, pero ellos fueron los primeros en transformarla en un nuevo género. Ellos fueron el ataque final a los roqueros, hippies, cantautores y cualquier otro que valorara el contenido sobre la forma.

Black Sabbath.

Black Sabbath - War Pigs (Live in Paris 1970).

Queen (1) fueron los bufones del movimiento hard-rock. Tomaron ideas del rock progresivo, del music-hall (Killer Queen, 1974) y del gospel (Somebody to Love, 1976); Aplicaron técnicas de producción fantásticas en A Night At The Opera (1975), dignas de una opereta de Frank Zappa; Y se convertirían en la quintaesencia del rock "ostentoso" con los himnos de 1977 (We Are The Champions, We Will Rock You).

Queen

Queen- Somebody to Love.

Bad Company, formado por el vocalista de Free, Paul Rodgers, tomaron prestado del boogie sureño y le agregaron un tono lascivo, por ejemplo en Bad Company (1974).

Bad Company. (Cantante Paul Rogers, nuevo cantante de Queen).

Bad Company - Bad Company.

En Estados Unidos muy pocas bandas abrazaron el sonido violento de las bandas de Detroit. Básicamente, el hard-rock estadounidense era la contraparte americana del hard-rock británico. Y el componente de blues era, generalmente hablando, más fuerte. Los líderes eran: Mountain (2), el equivalente estadounidense de Cream, que unieron blues, hard-rock y rock psicodélico con el épico Nantucket Sleighride (1971) y la colección barroca Flowers Of Evil (1971); James Gang (1), el poderoso trío de James Walsh cuyo Rides Again (1970) traiciona la influencia del rock progresivo; Grand Funk Railroad (1), vulgares iletrados pero maestros del "groove", y aún militantes en E Pluribus Funk (1971); Montrose (1), cuyo clásico derivativo es Montrose (1973); Bachman-Turner Overdrive (1), guiados por el guitarrista original de Guess Who, influenciados por los Who y por el boogie sureño en álbumes como Not Fragile (1974); Heart (1), quienes intentaron una fusión de folk-rock y hard-rock antes de venderse con Heart (1985).

El sonido de la revolución que llegó fue domado muy rápidamente, y el hard-rock se convirtió en un mero entretenimiento para las masas.

Fuente: http://scaruffi.com/history/ecpt27.html

Videos en Youtube recomendados:

Bandas:

Free: http://www.youtube.com/watch?v=UDVlPQjNlxw

Status Quo: http://www.youtube.com/watch?v=-HsrqzkywSg

Thin Lizzy: http://www.youtube.com/watch?v=rENy7MQIYJs

Hard rock

El hard rock (traducido como rock duro y también conocido como heavy rock) es un género musical derivado del rock and roll y del blues rock.

Raíces:

El garage rock, rock & roll, blues el rock psicodélico y el country son las raíces del hard rock, pero desde diferentes puntos de vista, eliminando elementos, y añadiendo otros que diferencian a los diferentes subgéneros.

La mayoría propone que tiene sus raíces más cercanas en el blues rock de los años 60. Las bandas a las cuales se atribuye la gestación del género son Deep Purple, Led Zeppelin y Black Sabbath (Heavy Metal); asimismo, durante los años 60, otras bandas practicaron estilos que se consideran precedentes del estilo; así, se suele atribuir el primer riff hard rock al tema You really got me de The Kinks, siendo otro importante referente Born to Be Wild de Steppenwolf también incluyendo el álbum Live At Leeds de The Who junto con el álbum Led Zeppelin I de Led Zeppelin y el álbum In Rock de Deep Purple fueron los primeros ejemplos de dicho género.

Bandas:

El Hard Rock obtuvo su máxima popularidad entre 1970 y 1993.

Bandas importantes que influyeron en el hard rock (Finales 60's inicio 70's):Cream, The Who, The Jimi Hendrix Experience, Steppenwolf, Led Zeppelin, Deep Purple, Black Sabbath, Uriah Heep, Queen, Alice Cooper

Bandas importantes (70's): Kiss, AC/DC, Aerosmith, Motörhead, Thin Lizzy, ZZ Top, Ted Nugent, UFO, Scorpions, Whitesnake, Rainbow.

Bandas importantes son (80'S):Van Halen, Mötley Crüe, Bon Jovi, Poison, Guns N' Roses, Cinderella, Tesla, Dokken, Europe, L.A. Guns

Como bandas modernas de Hard Rock podríamos citar a Jackyl, Velvet Revolver, Avenged Sevenfold Audioslave,The Black Crowes, The Darkness (ahora llamados Stone Gods), Brother Firetribe , The Answer , Vang, Disturbed , Wolfmother, Crashdïet, Lordi (ganadores de Eurovisión en 2006), Hard Spirit, Doberman, Airbourne, Crush 40, zebrahead , Godsmack y Guns N Roses (sin sus integrantes originales, solo Axl Rose).

Scorpions. (Años 70)

Scorpions - Still Loving You.

ACDC. (Años 70)

AC/DC - Thunderstruck. (Con Brian Johnson).

C.aracterísticas:

Sus canciones suelen estar en una tonalidad mayor, con un uso maestro de las tonalidades menores; se usa mucho la escala pentatónica al igual que en el rock, y los acordes tradicionales se sustituyen a menudo por acordes de quinta. Las progresiones de acordes se asocian a menudo a los grados I-V o I-V-VIII de la escala, al igual que en el rock and roll. Los efectos de distorsión de las guitarras cobran protagonismo, la batería puede alcanzar un rango de 100-150 golpes por minuto, siendo 120 un valor habitual. El solo de la guitarra es una parte muy importante de la canción, tanto como la letra y la melodía de la voz. En cuanto a las letras, suelen ser más oscuras en el heavy metal, y más festivas en el hard rock (a excepciones), tratando en numerosas ocasiones, y sobre todo en los años 1980, sobre diversión, alcohol y chicas. Aunque las estructuras son similares en el hard rock y el heavy metal, el heavy metal es ligeramente más complicado en estructuras o quizás se presta más a temas más largos, con pasajes que modulan a tonalidades diferentes de la original y de su relativo mayor.

Diferencias con el heavy metal:

Durante la década de los setenta, el hard rock inspiró un nuevo género musical "el heavy metal". La aparición de este estilo ha conducido a la confusión entre el hard rock y bandas de heavy metal, las distinciones entre los dos son por lo general sutiles, y la distinción a menudo llega por la imagen de una banda, más que por sus canciones. Los dos géneros tienen alguna crossover, por ejemplo; los pioneros de heavy metal -como Black Sabbath, y Deep Purple- a menudo son considerados tanto heavy metal como hard rock, mientras que grupos como AC/DC, Aerosmith, The Who, Survivor, Van Halen, Def Leppard y Guns N' Roses son llamados normalmente hard rock.

The Who.(Años 70)

The who - my generation. (Años 70).

Aerosmith.

Aerosmith - Crazy Live in Santiago Chile 1994.

Guns And Roses (Años 80).

Patience - Guns N' Roses (TOKIO).

Las fechas publicadas en las fotos son relativas. Intentan ubicar aproximadamente en el tiempo el inicio de las bandas.

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Hard_rock

Historia del Blues, desde sus orígenes en el Delta del Mississippi hasta su influencia en el rock moderno.

Blues, símbolo de una tristeza. Blues, historia de la esclavitud de un pueblo. Blues, manifestación de una condición de vida. Blues, una manera de liberar los sentimientos. Blues la música.

Para rastrear el nacimiento del blues. habría que ir hasta la costa norteamericana de Virginia más precisamente
Jamestown y remontarse a un día de agosto del año 1619.

En esas playas, desembarcaron a los primeros esclavos negros traídos en su mayoría desde la costa oeste de África, para trabajar, en régimen de esclavitud, en campos de algodón. Con ellos portaban su folklore que se traducía en canciones de ritmos regulares en las que explicaban sus emociones, sentimientos sobre la vida y la inmensa tristeza que les producía haber sido desarraigados de su tierra.

Mundo de esclavos.

Un siglo después, sólo en Nueva Orleans, había un promedio aproximado de cinco mil negros por cada cuatro mil blancos. Los hijos y nietos de esos esclavos iban a ser los fundadores del "blues" (en inglés significa "melancolía"). Decir I`ve got the blues en los años treinta y cuarenta del siglo XIX significaba aburrirse, pero hacia los años sesenta de ese mismo siglo, tenía la connotación de infelicidad.

El nacimiento del blues se produjo en las plantaciones de algodón, tabaco y maní, en los estados de Mississippi, Louisiana, Georgia o Alabama. La mano de obra en esas plantaciones era exclusivamente esclava. A los cautivos africanos que se desangraban en esas haciendas les habían quitado la libertad, pero no habían logrado arrebatarles sus costumbres. La música y el baile eran una parte primordial de esas costumbres. Aparte de las canciones religiosas, entonadas para solicitarle favores a las deidades, existía un rico repertorio de canciones paganas. Al principio se entonaban en bantú, fon, yoruba y otras lenguas y dialectos de África; luego, cuando los esclavos incorporaron la lengua del colonizador, los cantos comenzaron a decirse en inglés. Pronto esa música, viva y primordialmente rítmica, fue el fondo de una serie de temas que dieron cuenta de los infortunios por los que pasaba el esclavo en el infierno de las plantaciones. Eran los llamados work songs (cantos de trabajo), canciones improvisadas durante la faena. Una voz entonaba un verso, que de inmediato el resto repetía a coro. Se puede decir que es la primera manifestación musical del negro en América.

The African American.

El Blues: Texas y el sur.

No podemos decir con exactitud donde nació el blues, pero a sugerencia de los datos diremos que; en algún lugar del gran territorio que se extiende desde el interior de Georgia y el norte de Florida hasta Texas. Esta zona comprende el sur y después el este de los montes Apalaches, incluye el valle del Mississippi hasta el norte y el sur de Illinois y el Missouri Bootheel, y avanza hacia el oeste, pasando por alto los montes Ozark para abarcar el sudeste de Oklahoma y el este y el centro de Texas. Zona de granjas y plantaciones de algodón, cruzadas por terrenos de bosques de madera dura, bosques de pinos y pantanos de cipreses que han sido progresivamente despejados a lo largo del siglo XX. La mayor parte del territorio estaba habitado por los indios o era inhabitable hasta la primera mitad del siglo XIX. El algodón era el rey de toda la región y un gran número de obreros negros trabajaban -primero como esclavos- muy duro en los campos, para plantarlo, cultivarlo y cosecharlo, luego como aparceros y pocas veces como arrendatarios y propietarios de esas tierras. En zonas de plantaciones donde el cultivo era más grande, tales como el delta del Mississippi y el cinturón negro de Alabama, la población negra ascendía al ochenta o noventa por ciento del total. Casi la totalidad de los innovadores del blues que llevaron a cabo el desarrollo estilístico de esta música eran de esa zona o comenzaron sus carreras en ella. El estado de Mississippi probablemente proporcionó el mayor número de artistas durante la primera ´´epoca de las grabaciones, esto debido en gran parte a la importancia del Delta como región del blues Hoy en día esta zona se mantiene como un punto estratégico y fuerte, con mucha actividad del blues.

En 1861-1865, después de la guerra civil entre el sur y el norte, y con la victoria de este último, se abole la esclavitud. Los negros se van incorporando de apoco a la vida de los blancos, lo que implica que aprenden a tocar los instrumentos de estos mismos. De ahí que surge la figura del cantante de blues, acompañado de una guitarra.

A partir de la Segunda Guerra Mundial, surge el "Rhythm´n´blues" que es la suma de blues, guitarra eléctrica, piano y batería. Con la mezcla de las canciones religiosas "Gospel"cantada por los negros y el blues surge el "Soul".

Blues rural.

Cuando se habla de blues muchos se imaginan a virtuosos guitarristas como Eric Clapton tocando inspirados solos improvisados sobre una base musical repetitiva y triste. Por esto se sorprenden cuando se dan cuenta que este estilo musical tiene un orígen absolutamente folklórico, muy lejos de las guitarras eléctricas distorsionadas. A veces sonidos tristes y otras felices, el blues rural comenzó a grabarse a partir de 1923, y los músicos negros fueron los maestros que dibujaron este lenguaje, que más tarde los músicos de rock echarían mano una y otra vez en busca de inspiración.

Eric Clapton - Cocaine .

Eric Clapton.

La leyenda de Robert Johnson."encrucijada"

Cuenta la leyenda que Robert Johnson, nacido en 1911 en Hazlehurst, zona sur del estado de Mississippi, era un músico mediocre y que misteriosamente, de la noche a la mañana, logró convertirse en el mejor guitarrista del Delta, cuyos largos dedos demostraron un conocimiento musical que iba más allá de la edad y la época del artista. Se sabe que Johnson, casado en 1930, enviudó al poco tiempo. A partir de ese momento comenzó un largo peregrinaje por el Mississippi. Durante todo ese periplo nada se supo de él. La leyenda dice que en la encrucijada de dos caminos, al sonar las campanadas de medianoche Robert Johnson le vendió su alma al diablo a cambio de su incomparable talento musical.

No existen pruebas de los vínculos de Robert Johnson con las artes ocultas de la magia negra, sin embargo, la mayor parte de los testigos coinciden en afirmar que sobre el escenario irradiaba un halo mágico que cautivaba al público. Cantaba con una dicción levemente apagada, con una voz apasionada, agonizante y muchas veces afectada, su guitarra era brillante. Los temas persistentes en sus blues eran la desesperación religiosa y los demonios interiores, también describían imágenes de degradación y de desinhibida sexualidad. Un músico creativo y genial.

El mejor bluesmen del Mississippi. La gente que viajó y tocó con Robert Johnson dice que podía mantener una conversación en una habitación llena de gente mientras sonaba la radio como fondo, sin prestarle aparentemente ninguna atención, y al otro día tocar, nota por nota, cada una de las canciones que se habían emitido. Posiblemente, se trata del artista de blues más influyente de todos los tiempos.

En Texas grabó sus primeros discos, entre 1936 y 1937, en la cual se pueden percibir la influencia de Son House, Willie Brown, Skip James, Johnny Temple y Hambone Willie Newbern. Entre sus primeros títulos, la canción "Terraplene Blues" fue la que tuvo mayor difusión. Johnson sólo grabó veintinueve canciones en su breve carrera. Compuso algunas de las canciones más importantes de la historia del blues, como Crossroad Blues, Come on in my kitchen y Sweet Home Chicago. Dos años más tarde, cuando su virtuosismo y magnetismo lo habían convertido en el mejor músico de la región, murió envenenado por un hombre que creía que le estaba haciendo la corte a su mujer, mientras tocaba en un bar de Greenwood, en el mes de agosto de 1938. Tenía apenas 27 años. Cincuenta años después de su muerte, una reedición de todas sus grabaciones fue disco de oro y consiguió un premio Grammy.

Robert Johnson.

Robert Johnson- Crossroad.

Los primeros instrumentos utilizados.

BANJO PRIMITIVO.

Este instrumento, estaba construido con una calabaza alargada que había sido secada hasta conseguir que tuviera la dureza del plástico. Tenía cinco cuerdas cortadas de un largo hilo de pescar de plástico atadas al palo de madera hueca hacía las veces del mástil del instrumento. Cuatro de las cuerdas se extendían hasta el final del palo, y la quinta estaba atada cerca del cuerpo del instrumento, con una longitud más corta que elevaba el tono. Había un puente tallado a mano que mantenía las cuerdas separadas de la tirante membrana de piel de cabra que cubría el corte efectuado a la calabaza, en la lengua wolof el instrumento se llamaba halam, en la lengua de los músicos africanos que la llevaron al sur de los Estados Unidos, tiene el nombre de Banjo.

Con el paso del tiempo el banjo sufrió cambias importantes. Para 1883 el Banjo se había americanizado. La membrana de piel estaba ahora extendida sobre un armazón redondo, en un principio de madera y más tarde de metal. El mango redondeado se había reemplazado ahora por un mástil plano, y la cuerda corta se fijó al lado del mástil con clavijas, primero de madera como en un tambor y cuando cambió, las clavijas y el aro que la mantenían tirantes también fueron de metal a rosca. De este modo el instrumento era más ruidoso y puesto que las cuerdas se podían tensar más, sonaban en un tono más alto. Se había convertido en un banjo con sonido metálico.

El banjo junto con el violín fueron convirtiéndose en los instrumentos más comunes de las plantaciones del sur. Y no fue en forma definitiva el instrumento que conformaría el blues pero sí fue el instrumento que contribuyó a desarrollar las técnicas que llegaron a formar parte de los antecedentes del blues. Se le podría considerar como un estadio intermedio entre la música de los Griots (Cada lengua de Africa del Sur posee una palabra diferente para designar "cantante", pero todas ellas utilizan un termino más general, griot) y la de los primeros cantantes de blues.

En parte la razón para que el Banjo perdiera su papel central en la vida musical rural afro americana se debe a que muchas piezas de su repertorio habían sido asumidas por músicos blancos y se habían asociado con los espectáculos Minstrel (Espectáculo de variedades, con artistas en su mayoría blancos, que incluía canciones y números cómicos, generalmente imitando de forma burlona a los negros). También se puede citar los cambios en el instrumento (el tono más alto y el tensado de las cuerdas, que no podían producir una nota sostenida).

GUITARRA

Con los primeros acompañamientos de guitarra hubo otra manera de resolver el dilema. La guitarra desplazó en alto grado al Banjo y al violín, sobre todo al primero, cuyo uso fue poco común entre los cantantes de Blues.

El blues era ante todo una música vocal y requería cierta calidad vocal en los instrumentos. La flexibilidad de la guitarra satisfacía dicha exigencia. La afinación mi-si-sol-re-la-mi- típica se alteraba tensando o destensando las cuerdas hasta que el instrumento quedaba afinado a una cuerda. Los resultados fueron muy satisfactorios.

Con los primeros acompañamientos de la guitarra hubo otra forma de tocarla. Esto se consiguió con la guitarra slack key, que eran populares en los estados unidos. Esencialmente, la guitarra se afinaba en un acorde abierto y la melodía se tocaba deslizando una barra de metal arriba y abajo por las cuerdas. Esta fue la solución a un problema específico del blues que condujo a las diferentes afinaciones y estilos del blues moderno.

Esta técnica fue también conocida con el nombre de knife-song, ya que se deslizaba una hoja de cuchillo sobre las cuerdas, y el músico podía obtener un sonido lastimero parecido a un gemido humano, o al de un field-holler. Aunque algunos guitarristas utilicen este recurso de modo ocasional, y otros habitualmente, el hecho es que la técnica se ha generalizado, lo cual indica la clara diferencia que siente el cantante de blues por los sonidos dotados de calidades vocales.

Roberto Tobares.

Fuente: http://www.varelaenred.com.ar/historia%20blues.htm

ROCK & ROLL. 1950-58

INTRODUCCIÓN

 La difusión de la radio en todos los hogares, la aparición de la televisión, la difusión de los reproductores de discos... fueron elementos que supusieron un gran impulso para la música. Por otro lado, los jóvenes ya no deseaban escuchar las canciones de  siempre, las cuales sólo hablaban de temas dulces y cómodos para la sociedad establecida, pues se sentían desengañados por una crísis económica mundial, por el sufrimiento ocasionado tras una guerra mundial y sus secuelas atómicas. Lo único que les apetecía era escuchar algo nuevo, con fuerza y lejos de la ñoñería dominante.

      La película "Rebelde sin causa" y su actor James Dean pondrían el modelo iconográfico a seguir por los jóvenes: pantalones vaqueros y un ritmo que se llamaba rock and roll.

LOS ORIGENES DEL ROCK AND ROLL

El rhythm and blues de Fast Domino y el hilbylli de Haw Williams confluirían en un intérprete excepcional: Bill Haley & The Comets. Su canción "Rock around the clock" (1954) sería el comienzo oficial del rock and roll, nombre con el que bautizó a esta música el disc-jokey de Cleveland Alan Freed.

      Como precedentes tendríamos al "The Fat Man" (1948) de Fast Domino y "Lawdy miss Clawdy" (1952) de Lloyd Price.

      Esta música representaba a los jóvenes disconformes con la sociedad americana. Los combatientes negros de la II Guerra Mundial, que habían luchado codo a codo con los soldados blancos, se encontraron a su regreso con un rechazo racial; al mismo tiempo, los soldados blancos no encontraban trabajo a su regreso. Por lo tanto, ambos bandos no podían participar del mundo feliz que les machacaban sin cesar las canciones en los medios de comunicación, con temas dulces y románticos interpretados por "crooners" como Frank Sinatra, Perry Como, Cloney & Crosby... Los negros se refugiaron en su música rítmica llamada rhytm and blues y los blancos en las melodías del country.

      La música campesina americana, llamada country, nace de la balada británica y de las jigasirlandesas. En las plantaciones de algodón de Mississipi los ritmos africanos, adaptados a las faenas del trabajo y a las manifestaciones religiosas, serían el origen del blues, una música sin ritmo, aspecto que cambiaría después de la liberación de los esclavos y el éxodo de loos negros hacia las grandes ciudades, en las que se ven obligados a adaptarse a un ritmo de vida más frenético, lejos del bucolismo y la tristeza y añoranza de su origen africano. Este fenómeno, junto con la aparición de la guitarra eléctrica, transformaran elbluesen un estílo más rítmico en los ghettosnegros de Chicago, dando origen al rhythm and blues padre rítmico del rock and roll. Entre otros, uno de sus creadores, en 1949 fué Mudy Waters.

      Por otra parte, Hank Williams y Jimmie Rodgers serían los padres del country moderno, un estilo melódico que impregnó al rock and roll con sus melodías cursis, las cuales se disimulaban bastante bien, gracias al ritmo que les imprimía el rhythm and blues.

Muddy Waters.

Fuente: http://rockandpop.galeon.com/